Recuperación del segundo trimestre

Los trabajos a realizar serán los siguientes:

1 colección de 5 fotografías variadas, que no se vean figuras, sino sólo la textura en sí. Un ejemplo a continuación:

1 colección de 3 fotografías de paisaje que predominen las gamas de colores cálidos.

1 colección de 2 fotografías de bodegón en blanco y negro de estudio de degradados. Se valorará la riqueza tonal (desde zonas muy oscuras a zonas muy claras, pasando por las intermedias)

Las tres colecciones serán entregadas en formato digital en un pen drive.

1 Trabajo teórico sobre la percepción visual y sus leyes, manuscrito, con una extensión de texto mínimo de 1 cara y media. Se valorará presentación e imágenes. Enlaces de interés: borjalopezmenendezelefectoflynnjorgealeix.

1 Trabajo teórico sobre las texturas en el mundo del diseño, manuscrito, con una extensión de texto mínimo de 1 cara y media. Se valorará presentación e imágenes. Enlaces de interés: artdesigninaeducacionplasticayvisual.

Elegir 3 de las leyes de la percepción visual y realizar correspondientes dibujos en papel tamaño A4 a rotulador negro.

Los trabajos serán entregados al profesor en la fecha acordada.

Ejercicios de recuperación del segundo trimestre

Para recuperar el segundo trimestre, será necesario realizar unas actividades correctamente hechas y entregarlas después de semana santa. Así se podrá hacer una prueba, y si tanto los ejercicios como la prueba son superados, la segunda evaluación quedará recuperada.

Todas las láminas se harán en el bloc de dibujo y en la parte superior se pondrá fecha y como título “Ejercicios de recuperación”.

Lámina 1: “Collage” se hará un dibujo sencillo de un bosque, y los planos (árboles, pradera, cielo…) se rellenarán de trocitos de papeles seleccionados por colores. Aquí tienes un trabajo realizado de esta manera. Puedes hacerlo parecido.

Lámina 2: “Dibujo de observación”. Reproducir de la manera más fiel posible las siguientes 4 láminas con lápiz. Cada una en una hoja al mismo tamaño.

Dibujo de análisis de las formas

Con el dibujo de análisis de las formas podemos aprender a observar mejor nuestro entorno, tomar habilidad y destreza en las manos, mejorar nuestra visión espacial y valorar los dibujos y pinturas realizados a lo largo de la Historia del Arte por los grandes Maestros e incluso valorar nuestros propios dibujos.

Es en definitiva la mejor manera de aprender dibujo artístico, que es una capacidad fundamental para ser un buen arquitecto, un buen diseñador, un artista, buen dibujante de comics manga, etc. Incluso ayuda a mejorar el trabajo realizado en otras profesiones como peluquero, instalador de redes eléctricas, carpintero, esteticién, albañil, etc. El dibujo artístico desarrolla el sentido de la estética, nos hace recapacitar sobre nuestro propio trabajo y ser autocríticos para superarnos a nosotros mismos.

El Grabado

El grabado comprende en realidad distintas técnicas inventadas y desarrolladas a lo largo de la Historia. Todas ellas tienen en común el principio de la estampación en serie: el procedimiento mediante el cual un dibujo original se puede reproducir en varias copias. Una de las primeras técnicas es la xilografía, grabado en madera, a tener en cuenta gracias a los grabados de Alberto Durero, artista renacentista.

Más adelante, en el periodo del Arte Barroco se crearon grandes obras maestras del grabado al aguafuerte, por ejemplo por Rembrandt. Aunque esta técnica se siguió usando más adelante con grandiosos ejemplos como la serie de “Los desastres de la guerra” de Francisco de Goya.

Otras técnicas usadas hoy en día con fines además de artísticos, industriales son la litografía y la serigrafía.

La fotografía

Introducción.

No hay duda que la fotografía se ha convertido en un medio de comunicación que sobrepasa el mundo del arte y el diseño y es usada como una potente herramienta de difusión de información no sólo por profesionales, sino por toda la sociedad que dispone de un móvil y acceso a Internet. Hoy en día sería inimaginable vivir sin la fotografía. Las redes sociales fundamentadas en la difusión de fotografías acaparan cada vez más nuestro tiempo y atención en nuestro día a día. Hoy en día vivimos en una cultura fundamentalmente visual.

En este tema nos centraremos en investigar la fotografía desde un punto de vista técnico y artístico para valorar de esta manera estos aspectos que necesita cualquier fotografía de calidad. Esto lo estudiaremos a través de los elementos plásticos y visuales como son la luz, el color, el movimiento y la textura. Además podremos ordenar nuestros proyectos fotográficos a través de tres géneros clásicos como son el paisaje, el bodegón y el retrato.

Historia.

Será necesario combinar las investigaciones y descubrimientos de dos distintas disciplinas científicas para que aparezca la primera foto. Por un lado tenemos la óptica, que estudia sobre un efecto lumínico en el interior de un espacio cerrado en el cual sólo entra la luz a través de un pequeño agujero, ordenándose así los rayos de luz exteriores sobre una superficie reflectante.

camera_obscura_1Fenómeno óptico de “Camera obscura”

Por otro lado tenemos el mundo de la química, que siendo consciente de las diversas sustancias que reaccionan ante la luz desde hacía siglos, será en el S.XIX cuando sus estudiosos inventen productos fotosensibles que consiguen reaccionar mejor y más rápidamente ante la luz.

anna_atkins_algae_cyanotype Una de las primeras cianotipias, por Anna Atkins,  1843. Las formas más claras correspondían a un alga que tapaba los rayos solares sobre el papel impregnado de la sustancia azul fotosensible. Posteriormente se lava el papel esclareciéndose la forma que adoptaba el alga al no sufrir en este lugar del papel la cristalización propia de la cianotipia a la exposición solar.

Pero será un poco antes cuando se realice la que es considerada la primera fotografía de la Historia por Joseph Nicéphore Niépce, químico, litógrafo y científico aficionado con ayuda de Daguerre.

800px-view_from_the_window_at_le_gras_joseph_nicephore_niepce_uncompressed_umn_source Primera fotografía de los tejados de París en 1826, por Niépce.

Introducción

Elementos plásticos fundamentales

Para cualquier representación artística, el pintor, escultor o dibujante debe proceder y pensar en su proyecto de manera abstracta, usando el lenguaje plástico correctamente. De nada le sirve pensar en una casa o retrato a dibujar si primero no interioriza los elementos que le darán la clave para dichas representaciones. Dichos elementos abstractos son el punto, la línea, el plano, la textura y el color. Estos son los recursos usados en cualquier representación artística.

Un claro ejemplo del estudio exhaustivo de estos elementos son las pinturas realizadas por los artistas puntillistas franceses, que hicieron sus obras sólo a base de puntos.

Signac pintaba paisajes

Otro pintor es Seurat que pintaba estampas típicas de escenas cotidianas parisinas.

Los artistas puntillistas formaban parte del gran movimiento pictórico francés de finales del S. XIX llamado impresionismo. En este estilo de pintura podemos encontrar a un gran pintor que se centró en el uso de la línea como elemento plástico para transmitir a través de sus cuadros energía, soledad, angustia, etc.

Dicho pintor era Van Gohg