Dibujo de análisis de las formas

Con el dibujo de análisis de las formas podemos aprender a observar mejor nuestro entorno, tomar habilidad y destreza en las manos, mejorar nuestra visión espacial y valorar los dibujos y pinturas realizados a lo largo de la Historia del Arte por los grandes Maestros e incluso valorar nuestros propios dibujos.

Es en definitiva la mejor manera de aprender dibujo artístico, que es una capacidad fundamental para ser un buen arquitecto, un buen diseñador, un artista, buen dibujante de comics manga, etc. Incluso ayuda a mejorar el trabajo realizado en otras profesiones como peluquero, instalador de redes eléctricas, carpintero, esteticién, albañil, etc. El dibujo artístico desarrolla el sentido de la estética, nos hace recapacitar sobre nuestro propio trabajo y ser autocríticos para superarnos a nosotros mismos.

El Grabado

El grabado comprende en realidad distintas técnicas inventadas y desarrolladas a lo largo de la Historia. Todas ellas tienen en común el principio de la estampación en serie: el procedimiento mediante el cual un dibujo original se puede reproducir en varias copias. Una de las primeras técnicas es la xilografía, grabado en madera, a tener en cuenta gracias a los grabados de Alberto Durero, artista renacentista.

Más adelante, en el periodo del Arte Barroco se crearon grandes obras maestras del grabado al aguafuerte, por ejemplo por Rembrandt. Aunque esta técnica se siguió usando más adelante con grandiosos ejemplos como la serie de “Los desastres de la guerra” de Francisco de Goya.

Otras técnicas usadas hoy en día con fines además de artísticos, industriales son la litografía y la serigrafía.

La fotografía

Introducción.

No hay duda que la fotografía se ha convertido en un medio de comunicación que sobrepasa el mundo del arte y el diseño y es usada como una potente herramienta de difusión de información no sólo por profesionales, sino por toda la sociedad que dispone de un móvil y acceso a Internet. Hoy en día sería inimaginable vivir sin la fotografía. Las redes sociales fundamentadas en la difusión de fotografías acaparan cada vez más nuestro tiempo y atención en nuestro día a día. Hoy en día vivimos en una cultura fundamentalmente visual.

En este tema nos centraremos en investigar la fotografía desde un punto de vista técnico y artístico para valorar de esta manera estos aspectos que necesita cualquier fotografía de calidad. Esto lo estudiaremos a través de los elementos plásticos y visuales como son la luz, el color, el movimiento y la textura. Además podremos ordenar nuestros proyectos fotográficos a través de tres géneros clásicos como son el paisaje, el bodegón y el retrato.

Historia.

Será necesario combinar las investigaciones y descubrimientos de dos distintas disciplinas científicas para que aparezca la primera foto. Por un lado tenemos la óptica, que estudia sobre un efecto lumínico en el interior de un espacio cerrado en el cual sólo entra la luz a través de un pequeño agujero, ordenándose así los rayos de luz exteriores sobre una superficie reflectante.

camera_obscura_1Fenómeno óptico de “Camera obscura”

Por otro lado tenemos el mundo de la química, que siendo consciente de las diversas sustancias que reaccionan ante la luz desde hacía siglos, será en el S.XIX cuando sus estudiosos inventen productos fotosensibles que consiguen reaccionar mejor y más rápidamente ante la luz.

anna_atkins_algae_cyanotype Una de las primeras cianotipias, por Anna Atkins,  1843. Las formas más claras correspondían a un alga que tapaba los rayos solares sobre el papel impregnado de la sustancia azul fotosensible. Posteriormente se lava el papel esclareciéndose la forma que adoptaba el alga al no sufrir en este lugar del papel la cristalización propia de la cianotipia a la exposición solar.

Pero será un poco antes cuando se realice la que es considerada la primera fotografía de la Historia por Joseph Nicéphore Niépce, químico, litógrafo y científico aficionado con ayuda de Daguerre.

800px-view_from_the_window_at_le_gras_joseph_nicephore_niepce_uncompressed_umn_source Primera fotografía de los tejados de París en 1826, por Niépce.

Introducción

Elementos plásticos fundamentales

Para cualquier representación artística, el pintor, escultor o dibujante debe proceder y pensar en su proyecto de manera abstracta, usando el lenguaje plástico correctamente. De nada le sirve pensar en una casa o retrato a dibujar si primero no interioriza los elementos que le darán la clave para dichas representaciones. Dichos elementos abstractos son el punto, la línea, el plano, la textura y el color. Estos son los recursos usados en cualquier representación artística.

Un claro ejemplo del estudio exhaustivo de estos elementos son las pinturas realizadas por los artistas puntillistas franceses, que hicieron sus obras sólo a base de puntos.

Signac pintaba paisajes

Otro pintor es Seurat que pintaba estampas típicas de escenas cotidianas parisinas.

Los artistas puntillistas formaban parte del gran movimiento pictórico francés de finales del S. XIX llamado impresionismo. En este estilo de pintura podemos encontrar a un gran pintor que se centró en el uso de la línea como elemento plástico para transmitir a través de sus cuadros energía, soledad, angustia, etc.

Dicho pintor era Van Gohg

Ejercicios para entregar después de Navidades

La recuperación del primer trimestre consistirá en la entrega de una serie de ejercicios hechos en casa. Una vez entregados se realizará una prueba en clase, en la fecha convenida con el profesor. Tanto para los ejercicios como para la prueba será necesario el material de clase (escuadra, cartabón, compás y lápices de colores).

Los ejercicios son los siguientes:

A continuación se redactan los ejercicios que deberán ser realizados en el bloc de dibujo, tamaño A4, con la escuadra, cartabón y compás de la manera más limpia y precisa posible. Los ejercicios serán entregados al profesor según la fecha indicada. Ánimo con su realización; podéis comprobar que cada ejercicio tiene una palabra en negrita, lo que significa que podéis acceder a la explicación del ejercicio en un vídeo.

Lámina 1: dividirla en 4 partes iguales. En cada espacio realizar los siguientes ejercicios:

a) Mediatriz de un segmento de 5,5 cm.

b) Perpendicular a una recta cualquiera “r” desde un punto exterior “p”.

c) División de un segmento de 7 cm. en 6 partes iguales por el teorema de Thales.

d) Recta paralela a otra recta cualquiera “r” desde un punto exterior “p”.

Lámina 2: dividirla en 4 partes iguales. En cada espacio realizar los siguientes ejercicios:

a) Dibujo de triángulo equilátero de 4,5 cm. de lado.

b) Dibujo de triángulo isósceles de lado base 2,5 cm. y lados iguales 4 cm.

c) Dibujo de cuadrado de lado 4,5 cm.

d) Dibujo de rectángulo dada la diagonal 6 cm. y uno de los lados de 2,5 cm.

Lámina 3: dividida en 2 espacios iguales. En cada espacio realizar los siguientes ejercicios:

a) Dibujo de un hexágono de radio 4,5 cm.

b) Dibujo de un octógono de radio 5 cm.

Lámina 4: Repetir la lámina 3 y hallar las estrellas del hexágono y el octógono. Colorearlas.

Lámina 5: Dibujar lo mejor posible el siguiente dibujo. Colorearlo es opcional:

dibujos-en-perspectiva-2

El punto, la línea y el plano.

Los elementos principales de la expresión plástica son el punto, la línea, el plano, el color y la textura. En primer lugar nos centraremos en el punto, la línea y el plano.

El punto en el mundo del arte y la plástica, al contrario que en el de la geometría, tendrá distintas formas, distintos tamaños y distintos colores. Igualmente sucede con la línea, que tendrá diversos grosores, configuraciones y colores. El plano también muestra infinitas posibilidades en sus variaciones.

Estos elementos en el dibujo y la pintura, equivalen a las notas y el ritmo en el mundo de la música. La música nos puede agradar aunque no tenga letra, y sólo escuchemos instrumentos generando notas con armonía y ritmo. De la misma manera, una pintura nos puede gustar sin necesidad de reconocer figuras reales, sino que nos agrada el conjunto de colores, planos, líneas, etc. Las pinturas abstractas son un buen ejemplo.

La perspectiva cónica

Es un recurso gráfico que se usa en el dibujo para crear un efecto de profundidad. Parece algo muy obvio, pero no se inventará hasta la época del Renacimiento, en la cual los artistas investigaban nuevos efectos en los dibujos y las pinturas para dar más realismo a sus cuadros.

Para que haya perspectiva cónica, necesitamos además del modelo que sufre dicha perspectiva, una línea de tierra, una línea de horizonte y uno o dos puntos de fuga.

Aquí podemos observar un dibujo de una vía del tren que se pierde en un punto en el horizonte. Dicho punto es el punto de fuga.

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